SHINE · MEG STUART
Meg Stuart is a choreographer, director, and artist living and working between Berlin and Brussels. Her practice moves across performance, moving image, and installation, approaching the body as a sensitive terrain where memory, sensation, and imagination converge. She is drawn to moments of disorientation and transformation – where habits loosen and new ways of sensing, feeling, and relating can emerge.
Since founding her company Damaged Goods in 1994, Stuart has developed an expansive body of work spanning solos and duets, large-scale choreographic pieces, video works, collaborative processes, and research platforms. Her projects are developed through long-term collaborations with performers, musicians, visual artists, scenographers, filmmakers, and thinkers, embracing vulnerability, friction, and the unknown. Improvisation runs through her practice as both a method and an ethic – a way of listening closely to bodies, environments, and the subtle forces that move between them.
The moving image is a vital extension of her choreographic thinking. Her films approach the camera as a choreographic partner, tracing how bodies resonate within architectures, landscapes, and transitional spaces, and exploring thresholds between fiction and reality, intimacy and exposure, presence and disappearance.
Alongside her artistic work, she initiates contexts for collective inquiry and transmission, including research platforms such as zero point and the Mystery School of Choreography, where embodied knowledge and shared attention are explored.
Her work is presented internationally in theatres, festivals, museums, and exhibition contexts. Among others, she is a recipient of the Golden Lion for Lifetime Achievement at the Biennale di Venezia (2018), the Deutscher Tanzpreis (2018), a Bessie Award (2008), and a Guggenheim Fellowship (2023).
DE
Meg Stuart ist Choreografin, Regisseurin und Künstlerin und lebt und arbeitet zwischen Berlin und Brüssel. Ihre Praxis bewegt sich zwischen Performance, Bewegtbild und Installation und begreift den Körper als sensibles Terrain, in dem Erinnerung, Empfindung und Vorstellungskraft zusammenkommen. Ihr Interesse gilt Momenten der Desorientierung und Transformation – Momenten, in denen sich Gewohnheiten lösen und neue Formen des Wahrnehmens, Fühlens und Miteinander-in-Beziehung-Tretens entstehen können.
Seit der Gründung ihrer Kompanie Damaged Goods im Jahr 1994 hat Stuart ein umfangreiches Werk entwickelt, das Soli und Duette, großformatige choreografische Arbeiten, Videoarbeiten, kollaborative Prozesse und Forschungsplattformen umfasst. Ihre Projekte entstehen in langfristigen Zusammenarbeiten mit Performer*innen, Musiker*innen, bildenden Künstler*innen, Bühnenbildner*innen, Filmemacher*innen und Denker*innen und öffnen sich dabei Verletzlichkeit, Reibung und dem Unbekannten. Improvisation durchzieht ihre Praxis sowohl als Methode als auch als Haltung – als eine Form des genauen Zuhörens auf Körper, Umgebungen und die subtilen Kräfte, die zwischen ihnen wirken.
Das bewegte Bild ist eine wesentliche Erweiterung ihres choreografischen Denkens. In ihren Filmen wird die Kamera zu einer choreografischen Partnerin, die verfolgt, wie Körper in Architekturen, Landschaften und Übergangsräumen Resonanz erzeugen. Dabei erkundet Stuart Schwellen zwischen Fiktion und Realität, Intimität und Exponiertheit, Präsenz und Verschwinden.
Neben ihrer künstlerischen Arbeit initiiert sie Kontexte für gemeinschaftliche Forschung und Wissensvermittlung, darunter Forschungsplattformen wie zero point und die Mystery School of Choreography, in denen verkörpertes Wissen und geteilte Aufmerksamkeit untersucht werden.
Ihre Arbeiten werden international in Theatern, auf Festivals, in Museen und Ausstellungskontexten präsentiert. Zu ihren Auszeichnungen zählen unter anderem der Goldene Löwe für ihr Lebenswerk bei der Biennale di Venezia (2018), der Deutsche Tanzpreis (2018), ein Bessie Award (2008) sowie ein Guggenheim Fellowship (2023).
CHOREOGRAPHIES ECHO THE SPACE, WALKING THE THIN LINE BETWEEN PRESENCE AND ABSENCE
In her video work, Meg Stuart’s choreographic practice and knowledge come into light. The videos show a reverberating journey of presences, unfolding like an evolving landscape. Stuart directs her poetic and imaginative sensibility toward the body, situated within desolate landscapes of undefined spaces, architectures in decay or strangely familiar environments. Through an ongoing dialogue between body and space, these performed presences reveal the worldly conditions – and the quietly overlooked potentials – of embodiment.
Her video work seeks out uncanny spaces – not as a subject but as an anchor. The person is shown intersecting and internally negotiating with a world that carries and has shaped them and is, in turn, continuously being shaped by them. Choreographies echo the space, walking the thin line between presence and absence. Meg Stuart has never taken the codified architectural theatre space for granted. Rather, she illuminates that stage by transforming its very codes, treating light, sound and image with equal importance to movement and the body. Her shift into public and non-theatrical spaces follows the same interest; investigating not yet codified perspectives and challenging the restrictions of the supposed performance space in dialogue with the presence of the body.
In doing so, she brings something into being that transcends the divide between private and public, between art space and living space. Standard dualities – of the everyday and the unusual, the sociable and the intimate, of inside and outside – find a place to unravel: in the actual world. Within this widened field, known, stated frameworks between spectatorship and presence are redefined. The open field allows Stuart to reflect on presence and its representation in an expanded way; an imaginative realm of appearances rises as response. Whereas we, as spectator, perceive and engage with a visual world, she puts into question what’s visible and receptive, as such creating new identities and possible worlds.
In search for connection within these fragmented and proposed realities, natural elements such as earth or water (The way down, Ripples) often function as fibre through which bodily perspectives are both grounded and disturbed. Landscapes in view, cut off from external context, become spaces with an own temporality. In these places of no solidity, presence is echoed by a cloud of dust or circles of rippling water, tracing invisible conversations and unfolding communication.
In a series of portraits, the gaze is the portal to this space of negotiation. The gaze protects the face by hiding it. The face, as a primary canvas, occurs as a barrier of visibility: it simultaneously reveals and conceals, performing a masquerade without ever offering a full picture. Meanwhile, the choreographic detailing of gestures hints at a motivational ‘inner side’ of what we see, whereas we can only look at the ‘outside’, at the image.
In this portraiture Stuart draws an unconventional sense of the photographic portrait that reflects an abstraction of our time in daily existence: she puts a focus on the transformational dimension of life. The portraits show flickering emotions, flirty self-awareness, joyful play with the unreal, slipping in and out of the performed identities. The picture conveys both an engagement with and a resistance to the social contract, to the expectations of public appearance.
What is looked at, by watching these works, becomes an interrogation, to eventually, on the occasion, be reaching out further than the imaginable of presences.
DE
In Meg Stuarts Videoarbeiten treten ihre choreografische Praxis und ihr Wissen deutlich hervor. Die Videos zeigen eine nachhallende Reise von Präsenzen, die sich wie eine sich wandelnde Landschaft entfaltet. Stuart richtet ihre poetische und imaginative Sensibilität auf den Körper, eingebettet in verlassene Landschaften undefinierter Räume, verfallende Architekturen oder seltsam vertraute Umgebungen. Durch den fortwährenden Dialog zwischen Körper und Raum machen diese performten Präsenzen die Bedingungen des In-der-Welt-Seins sichtbar – ebenso wie die leise übersehenen Möglichkeiten von Körperlichkeit.
Ihre Videoarbeiten suchen unheimliche, fremdartige Räume auf – nicht als Gegenstand, sondern als Anker. Der Mensch erscheint darin als jemand, der sich mit einer Welt überschneidet und innerlich mit ihr verhandelt: einer Welt, die ihn trägt und geprägt hat und die zugleich fortwährend von ihm mitgestaltet wird. Choreografien hallen im Raum wider und bewegen sich auf der schmalen Linie zwischen Präsenz und Abwesenheit. Meg Stuart hat den kodifizierten architektonischen Theaterraum nie als selbstverständlich betrachtet. Vielmehr bringt sie diesen Raum zum Leuchten, indem sie seine Codes selbst transformiert und Licht, Klang und Bild die gleiche Bedeutung beimisst wie Bewegung und Körper. Ihr Wechsel in öffentliche und nicht-theatrale Räume folgt demselben Interesse: noch nicht kodifizierte Perspektiven zu erforschen und die Begrenzungen des vermeintlichen Aufführungsraums im Dialog mit der Präsenz des Körpers infrage zu stellen.
Auf diese Weise bringt sie etwas hervor, das die Trennung zwischen privat und öffentlich, zwischen Kunstraum und Lebensraum überschreitet. Gewohnte Dualitäten – Alltag und Ausnahme, Geselligkeit und Intimität, Innen und Außen – finden einen Ort, an dem sie sich auflösen können: in der tatsächlichen Welt. Innerhalb dieses erweiterten Feldes werden bekannte und festgeschriebene Verhältnisse zwischen Zuschauen und Präsenz neu definiert. Dieses offene Feld ermöglicht Stuart, Präsenz und ihre Darstellung auf erweiterte Weise zu reflektieren; als Antwort entsteht ein imaginativer Raum von Erscheinungen. Während wir als Zuschauende eine visuelle Welt wahrnehmen und uns auf sie beziehen, stellt sie infrage, was sichtbar und wahrnehmbar ist, und eröffnet dadurch neue Identitäten und mögliche Welten.
Auf der Suche nach Verbindung innerhalb dieser fragmentierten und entworfenen Realitäten dienen natürliche Elemente wie Erde oder Wasser (The way down, Ripples) häufig als Fasern, durch die körperliche Perspektiven zugleich verankert und irritiert werden. Landschaften, die aus ihrem äußeren Kontext herausgelöst erscheinen, werden zu Räumen mit einer eigenen Zeitlichkeit. An diesen Orten ohne festen Grund hallt Präsenz in einer Staubwolke oder in Kreisen sich ausbreitenden Wassers wider und zeichnet unsichtbare Gespräche und sich entfaltende Kommunikation nach.
In einer Reihe von Porträts wird der Blick zum Portal dieses Raums der Verhandlung. Der Blick schützt das Gesicht, indem er es verbirgt. Das Gesicht erscheint als primäre Bildfläche und zugleich als Barriere der Sichtbarkeit: Es enthüllt und verbirgt gleichzeitig und vollzieht eine Maskerade, ohne jemals ein vollständiges Bild preiszugeben. Zugleich verweist die choreografische Präzision der Gesten auf eine motivierende „Innenseite“ dessen, was wir sehen, während wir selbst nur auf die „Außenseite“, auf das Bild, blicken können.
In diesen Porträts entwickelt Stuart ein unkonventionelles Verständnis des fotografischen Porträts, das eine Abstraktion unserer alltäglichen Existenz widerspiegelt: Sie richtet den Blick auf die transformative Dimension des Lebens. Die Porträts zeigen flackernde Emotionen, spielerisches Selbstbewusstsein und ein lustvolles Spiel mit dem Unwirklichen, während die Figuren in ihre dargestellten Identitäten hinein- und wieder aus ihnen herausgleiten. Das Bild vermittelt sowohl eine Auseinandersetzung mit dem gesellschaftlichen Vertrag als auch Widerstand gegen ihn und gegen die Erwartungen an öffentliches Auftreten.
Was wir beim Betrachten dieser Arbeiten sehen, wird selbst zum Gegenstand einer Befragung und reicht schließlich bisweilen über das Vorstellbare von Präsenz hinaus.
PUBLICATIONS
Let’s Not Get Used to This Place (2023)
The publication brings together reflections, interviews, scores, exercises, essays, poetry, photographs and archival material from more than a decade of Meg Stuart’s work, offering insight into her evolving artistic practice and methods.
Are we here yet? (2010)
In dialogue with Jeroen Peeters and collaborators from Damaged Goods, Meg Stuart reflects on her practice, methods and collaborations, tracing her artistic trajectory from Disfigure Study (1991) to Maybe Forever (2007).